Danza Contemporanea a Milano
La danza contemporanea si sviluppa a Milano e poi nel resto d’Italia soltanto dopo la seconda guerra Mondiale.
Nel caso specifico di quest’arte è proprio il coreografo a lasciare più spazio creativo al ballerino, stimolandolo ad ascoltare e ad assecondare il proprio corpo e l’ambiente che lo circonda.
Il Contemporary (così chiamato Oltreoceano) è un’arte di ballo che discende dal balletto classico, ma al contempo ne prende molto le distanze (sia in ambito fisico, psicologico, che di concetto), percorrendo una via piuttosto legata all’improvvisazione del movimento del corpo.
Il movimento è a sua volta sempre e comunque connesso profondamente alle linee geometriche dello stesso, ma mescolando queste ultime in maniera totalmente libera: cosa totalmente differente e radicalmente rivoluzionaria se rapportata alle impostazioni del classico.
Così facendo il danzatore ricerca ed identifica in maniera più approfondita le proprie doti e la propria qualità del movimento, trovando così un suo linguaggio comunicativo, totalmente personale ed intimo.
Questo lavoro ha consentito sempre più l’affermazione del “solo” come concetto di danzatore all’interno dello stile contemporaneo.
Un’evoluzione di questa Danza è il “Contact”, la quale viene ballata assieme da più soggetti, coinvolge il movimento di tutto il corpo in relazione allo spazio ed al tempo come nello stile di base, ma soprattutto lo coinvolge in maniera di totale connessione armonica con l’altro individuo.
Il Contact viene praticato almeno fra due o più danzatori, che creano un per l’appunto un “contatto fisico” dal quale partono a svolgere la loro performance, costruendo una danza fra loro stessi nella maggior parte dei casi totalmente improvvisata.
Spesso i movimenti di questo stile particolare sono così studiati e ravvicinati, da far apparire i corpi dei danzatori su un piano di un’unica fusione fisica, plasmando così i corpi dei protagonisti in un solo essere dai movimenti plastici ed aggraziati, oppure bruschi e sgraziati, a seconda della fantasia coreografica, o a seconda del dinamismo che si desidera infondere attraverso la musica.
Modern & Contemporary sono due facce della stessa medaglia, anche se molti li uniscono ormai sotto un unico filone di stile, possiedono però se analizzati nello specifico diverse caratteristiche differenti.
DISCIPLINE INERENTI AL BALLO CONTEMPORARY ACCADEMICO:
Struttura di una lezione di Danza Contemporanea alla Phoenix a.s.d.
La lezione di contemporary prevede un riscaldamento danzato su improvvisazione della Danza Contemporanea, nel quale si lavora molto la tecnica dei vari movimenti:
Passi, giri, ecc. e si crea e propone ad ogni lezione un lavoro coreografico che può essere basato maggiormente sulla tecnica oppure sull’espressività.
- Il lavoro fisico è sicuramente impegnativo ed è consigliato a chi ha già lavorato con il proprio corpo, non per forza tramite la danza, ma che almeno capisca le minime basi di un lavoro muscolare, con questo non significa che un principiante non può partecipare ma semplicemente che chi possiede delle infarinature di preparazione atletiche sarà avvantaggiato.
Da dove nasce questo stile della Contemporary?
La danza contemporanea nasce in Europa e negli Stati Uniti e si sviluppa nel corso del ventesimo secolo, gli inizi del Novecento determinano un vasto cambiamento del sistema artistico di questi Continenti.
Inizia a svilupparsi la danza accademica e crescere al contempo una profonda esigenza di nuovi stili espressivi.
Il completo dilagare dei balli popolari liberi dal punto di vista espressivo del movimento, favorisce la nascita di esclusive e nuove tendenze artistiche legate alla cultura moderna.
Inizia la globalizzazione della danza e quella contemporanea rappresenta uno dei generi più conosciuti della storia, diffusa ed utilizzata dalla maggior parte dei danzatori qualificati di tutto il Mondo, proprio grazie al suo particolare stile innovativo e rivoluzionario rispetto a quello del canonico balletto.
Che cos’è la danza contemporanea?
Anche se a primo impatto si notano provenienze legate alla Classica, al Jazz e al Modern, col passare del tempo, subì contaminazioni e si arricchì di elementi provenienti da diverse tipologie di Danze.
La danza contemporanea è una forma di danza altamente espressiva, che fonde aspetti di diversi generi di danza come il balletto moderno, jazz, lirico e classico.
Attraverso movimenti di danza fluidi, i ballerini contemporanei tentano di integrare la mente e il corpo.
La parola “contemporaneo” è un po’ fuorviante perché si riferisce a un genere emerso a metà del XX secolo e ancora oggi molto popolare.
In contrasto con il carattere rigoroso e regolato del balletto, la danza contemporanea enfatizza l’adattabilità e la spontaneità.
I ballerini contemporanei si concentrano sul pavimento, facendo affidamento sulla gravità per trascinarli a terra.
Questo stile di danza viene spesso eseguito a piedi nudi per ottenere ancor più confidenza e rapporto col suolo.
La danza contemporanea può essere eseguita su un’ampia gamma di stili musicali.
- Per varie similitudini tecniche è spesso associata e strettamente legata al Ballo Moderno, legato a sua volta ad elementi direttamente originari del Balletto Classico.
- In termini di analisi per quanto riguarda la sua grande tecnica, questo ballo tende a fondere la forte fermezza e rigidità di controllo tecnico del Classico, con l’aggiunta però dello stress della parte superiore del corpo (torso) presente notevolmente nel Modern.
- Inoltre il contemporary impiega elementi come la contrazione e il rilascio visivo del corpo, il lavoro a terra, la caduta e il recupero sul pavimento ed infine, molto presente è l’improvvisazione (caratteristica ben nota anche nella danza moderna).
I fattori come i cambiamenti inaspettati nel ritmo della musica e del ballo all’interno del contemporary, come velocità e direzioni sono anch’essi spesso utilizzati, nonché alcune volte, vengono incorporati nelle rappresentazioni persino elementi di tipologie di danze non Occidentali, come alcune tecniche dell’Afro (con le ginocchia piegate), o persino movimenti del ballo contemporaneo giapponese!
Molti danzatori associano allo studio dello stile della danza contemporanea, anche tecniche non relative alla danza, ma che occorrono a sviluppare al meglio il movimento da riprodurre nel Contemporary: Dalle tecniche di recitazione e mimica corporea all’integrazione di ginnastica muscolare del pilates o allo yoga.
Corsi di Danza Contemporanea a Milano, info al 348-0723256
Pionieri e accenni storici della Danza Contemporanea
La danza contemporanea e la danza moderna nascono dai loro pionieri che viaggiano tra Naturalismo e Simbolismo, gli albori di queste danze possono essere ricondotti a partire già dai primi decenni del 1800, mentre si verificano in Europa, i primi movimenti artistici in contrapposizione a quelli classici fino ad allora adottati (non solo per il settore della danza).
Si può definire oggi una scissione sottile tra la Modern Dance che il Contemporary, proprio perché derivano entrambe da un unico ceppo d’origine; alcuni coreografi e danzatori, tutt’oggi non fanno differenza alcuna tra le due tipologie di ballo.
Parleremo in questo paragrafo maggiormente dei pionieri della danza contemporanea e moderna potendo affermare che: sia il Naturalismo ed il Simbolismo nascono come correnti contrapposte, precisamente tra una realtà oggettiva (legata ad una visione di insieme) in contrapposizione con una visione soggettiva (inconscia e puramente espressiva, partendo dall’emozione interna).
In ordine storico e cronologico possiamo ricordare alcuni dei più grandi pionieri di quella che da li a poco venne infine ufficialmente riconosciuta come danza contemporanea; gli artisti danzatori e coreografi di fama internazionale che maggiormente influirono sulla rivoluzione della danza dalle basi del balletto classico sono:
- François Delsarte (1811-1871): rappresenta un ruolo di fondamento della nascita del ballo moderno, è uno dei primi danzatori che inizia a classificare e catalogare i gesti, cercando soprattutto di raggiungere una forma artistica più libera ed acquisendo in poco tempo di carriera da insegnante, numerosi studenti e seguaci d’arte. Partendo dal suo studio di Parigi, i suoi adepti (tra i quali possiamo ricordare nomi come: Gioacchino Rossini, Georges Bizet, Maria Malibran e Alexander Dumas), si spingeranno coi principi cardine della danza di François Delsarte sino in territorio americano.
- Loїe Fuller (1862-1928): Giunta in Europa verso il 1900, rivoluziona la struttura scenografica (in particolar modo attraverso l’utilizzo delle luci), sfruttando tutte le nuove scoperte elettroniche dell’epoca in campo teatrale. Studia profondamente l’applicazione delle luci e dei relativi colori e gradazioni in simbiosi con i movimenti del corpo e con la musica, liberandosi dalle narrative imposte dalla danza accademica fino ad allora conosciute ed introducendo un linguaggio innovativo, sia dal punto di vista visivo che introspettivo.
- Isadora Duncan (1878-1927): morta tragicamente parecchio giovane a causa di un bizzarro incidente stradale (strangolata dalla sua sciarpa impigliata nella ruota del suo autoveicolo), ebbe una vita tanto meravigliosa dal punto di vista artistico, quanto triste dal punto di vista umano, difatti anche i suoi giovani figli persero entrambi la vita annegando nella Senna. Isadora Duncan rimane ancora oggi malgrado tutto, un punto di riferimento della Danza di tutto il Mondo, nata in California, di origine irlandese, si oppone ai canoni del classico, utilizzando un suo proprio stile ibrido da autodidatta fin da bambina. Trasferitasi dapprima a Londra e poi a Parigi, è qui in Europa che svilupperà ed appagherà la sua volontà di conoscenza artistica; girerà un po’ ovunque sia per lavoro che per studio, tornando da ambasciatrice della nuova danza in Paesi americani, ma anche in Russia nuovamente in Europa. Il suo credo era quello introspettivo, per lei era affidato al ballo il compito di fare emergere le coscienze umane, minimizzando quanto più fosse possibile la parte scenografica e quella costumistica.
- Ruth St. Denis (1879-1968) e Ted Shawn (1891-1972): moglie e marito che nel 1915 fondano assieme una scuola a Los Angeles, la “Denishawn”. Ruth è una donna che da subito accoglie all’interno dei suoi studi e dei suoi metodi, anche fattori provenienti dalle danze orientali, dallo yoga, dal buddismo e dall’induismo. E’ convinta profondamente che la danza sia lo strumento fondamentale per tradurre il linguaggio spirituale nel linguaggio corporeo; un’artista molto legata agli stati di sacralità e spiritualità legate al sistema rituale. Pertanto anch’essa estremamente in antitesi con le linee guida dell’accademia tradizionale. Ted, il marito di Ruth, è un uomo che dopo aver portato a termine studi teologici e teorici sulla “Delsarte”, rivolge i suoi interessi verso un proprio progetto che tende a tradurre le emozioni nate dalla musica trasformandole direttamente in movimento e perciò in danza, approfondendo e continuando così le basi della “euritmica” nata dal musicista svizzero Émile Jaques Dalcroze. In questo modo la coppia si avvicina ad uno stile più moderno e verso una corrente astrattista, uscendo dal binario narrativo.
- Rudolf Laban (1879-1958): di origini tedesche, si reca nella culla del Mondo, in Africa, per riuscire a studiare e carpire i significati della cultura rituale delle danze primitive. Crede nella manifestazione scenica delle energie interne dell’animo mano, alla trasposizione fisica dello spirito attraverso musica e danza. Laban è considerato tra le colonne portanti del concetto dell’arte contemporanea come metodologia espressiva, si dedicherà alla danza “espressiva” a Monaco, in totale armonia ai ritmi naturali, creando inoltre un’apposita metodologia riguardante i movimenti del ballo. E’ il padre fondatore in Svizzera (durante la guerra) delle teorie della Eucinetica (legata all’espressione) e della Coreutica (legata allo spazio), nel 19′ torna in madre Patria e fonda la sua Compagnia, nel 28′ presenta il suo sistema di annotazione del movimento al congresso danzario di Essen, nel 30′ direttore della Danza all’Opera di Berlino. Secondo le teorie di Rudolf Laban, il danzatore deve ricercare se stesso tra gesto e significato espressivo, conoscere ed ottenere una padronanza totale del proprio fisico in maniera armoniosa ma anatomica, inclusi respiro, circolazione, pulsazioni e contrazioni muscolari. Altri grandi artisti sono i rappresentanti di questo stile di danza.
Molti altri coreografi, compositori, danzatori ed artisti della forma primordiale di questo stile hanno contribuito alla sua distribuzione su larga scala, in ogni parte del Mondo; li menzioneremo nella pagina dei corsi di danza moderna.
Origini e storia della danza contemporanea
La danza contemporanea è un campo incredibilmente vasto, che comprende numerose forme e costrutti artistici, stili e costumi e che è in continua sperimentazione.
Tuttavia, possiamo dire che ha le sue fondamenta in America e nell’Europa centrale durante il XIX secolo.
In America, durante la metà di questo secolo sono nati alcuni dei principali pionieri della forma di danza attuale, tra i quali Isadora Duncan, Ruth St Denis e Ted Shawn.
Essi reagirono contro la danza espressiva, sostenendo che la danza espressiva non poteva essere la struttura principale della danza contemporanea e avanzando una forma più espressiva e libera di sviluppo in totale contrapposizione.
Come già accennato, man mano che la prima forma di nuova danza si sviluppa nel corso del tempo, in opposizione ai canoni classici del balletto, ecco sorgere al contempo nuovi esperti e nuove forme di stili, come quello della celeberrima danza della maestra Martha Graham, quello di Doris Humphrey e più tardi stili di ulteriori artisti come Merce Cunningham, Yvonne Rainer, ed altri ancora.
Dai primi pionieri della danza attuale, c’è stato uno spostamento verso la sperimentazione e l’utilizzo dell’errore spontaneo.
Le basi europee della danza contemporanea si trovano nella danza espressionista tedesca nell’euritmia, nel conosciutissimo Rudolf Laban e nei primi coreografi britannici derivanti dallo sviluppo di una nuova arte capillare chiamata “nuova danza”.
Questa parte della continua ricerca e di miglioramento della danza, pone un riflettore riguardo l’articolazione dello sviluppo dei nuovi stili e sul rendere la danza più aperta ma soprattutto, più accessibile a tutta la popolazione statunitense ed europea.
Oggi le esibizioni appartenenti allo stile contemporary, spaziano da quelle più “conservatrici” e radicali, allacciate a profondi virtuosismi insiti negli sviluppi e negli ambienti convenzionali (come i centri di spettacolo), a ulteriori strutture esplorative (di grandi artisti del Regno Unito), che sfruttano invece sviluppi ordinari, ambienti sociali abbastanza particolari e un maggiore impegno di osservazione e attenzione da parte delle folle.
La scena è eccezionalmente ampia, ma di solito l’articolazione e l’idea sono fondamentali, sia che si tratti di un’esecuzione teorica o di una storia inventata, che si tratti di un tema politico o meno, la profondità dell’idea è ancora concepita a livello fondamentale.
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